Rezension von Kurt Beers @Beerslondon (02.06.2026)

Das Faszinierendste an diesen Gemälden ist die Spannung zwischen emotionaler Intensität und formaler Zurückhaltung. Du arbeitest mit einer stark reduzierten Bildsprache, im Wesentlichen mit einer begrenzten Farbpalette, einer flächigen Tonstruktur und vereinfachten Konturen, und dennoch bleibt die emotionale Wirkung überraschend intensiv. Diese Ökonomie ist eine der wahren Stärken der Arbeiten. Die Gemälde beschreiben nicht übermäßig, sie destillieren.

Der Vergleich mit Plakatästhetik und politischer Grafik ist erkennbar, insbesondere in der scharfen Farbtrennung und den ikonischen Frontalkompositionen. Dennoch vermeiden die Werke, rein grafisch zu wirken, da sie eine psychologische Instabilität bewahren. Die Gesichter sind keine klare Symbole, sie wirken fragmentiert, auflösend, fast von Emotionen überwältigt. Dies ist besonders eindrücklich im schreienden Gesicht in Nahaufnahme und in den ineinander verschlungenen Köpfen, wo die Identität unter Druck zu zerfallen scheint. Die Gemälde schweben zwischen Figuration und Zerfall.

Dein „Flakes“-Konzept überzeugt gerade deshalb, weil die visuelle Fragmentierung nicht wie ein stilistisch angewandter digitaler Effekt wirkt. Vielmehr liest sie sich wie etwas Existentielles. Die Unterbrechungen und fehlenden Informationen erzeugen emotionale Spannung statt technologischer Neuheit. Manchmal wirken die Gesichter, als entstünden sie eher Erinnerungen, Traumata oder Träumen als Fotografien. Diese Mehrdeutigkeit verleiht den Werken Tiefe.

Auch die reduzierte Farbpalette ist äußerst intelligent gewählt. Die dominanten Rottöne erzeugen ein Gefühl von Dringlichkeit, Offenheit und körperlicher Intensität, während die blassen Cremetöne und kühlen Blautöne Distanz und Zerbrechlichkeit schaffen. Die Farbverhältnisse sind sehr kontrolliert, und da Sie übermäßige Modulationen vermeiden, bleibt die emotionale Intensität der Gemälde konzentriert. In den besten Werken wird das Rot beinahe zum psychologischen Raum anstatt zum Hintergrund.

Besonders interessant ist Ihre Darstellung des Körpers. Die Figuren wirken gleichzeitig verletzlich und monumental. Sie sind auf das Wesentliche reduziert, aber niemals anonym. Die erhobenen Arme, geneigten Köpfe und offenen Münder erinnern ebenso an Andachts- oder Ekstasebilder wie an zeitgenössische Porträtmalerei. Ein Hauch ritualisierter Emotion durchzieht die Werke und knüpft überraschend gut an den deutschen Expressionismus an, wirkt aber durch die grafische Verdichtung dennoch zeitgenössisch.

Die stärksten Gemälde sind jene, in denen die Mehrdeutigkeit präsent bleibt. Die Figurenpaare beispielsweise bergen vielfältige emotionale Möglichkeiten gleichzeitig: Intimität, Angst, Sehnsucht, Abhängigkeit, Transzendenz. Die Ungewissheit ist produktiv. Im Gegensatz dazu besteht bei manchen Arbeiten, in denen die Geste zu singulär oder theatralisch wirkt, die Gefahr, die Interpretation etwas einzuengen. Ihre Arbeit ist am wirkungsvollsten, wenn das Bild psychologisch ungelöst erscheint.

Da die Bildsprache so konzentriert und ikonisch ist, können größere Werke auf eine sehr produktive Weise physisch überwältigend wirken. Ebenso könnte eine stärkere Oberflächenstruktur, mehr Abrieb, Transparenz oder Instabilität im Farbauftrag die Spannung zwischen der grafischen Klarheit und der emotionalen Fragmentierung, die Sie bereits konzeptionell erforschen, vertiefen.

Was durchweg überzeugt, ist die Aufrichtigkeit der Arbeit. Diese Gemälde wirken weder ironisch noch distanziert. Sie entspringen anhaltender Selbstreflexion und gelebter Erfahrung, was ihnen emotionale Autorität verleiht. Die Reduktion der Form wird so zu einem Weg, dem Gefühl näherzukommen, nicht sich davon zu entfernen.

Diese Rezension bezieht sich auf die aktuellen Arbeiten: Weihnachten 2025; Riccardo; Die Sucher; Twins; Der Schrei 2025/26

KURATORISCHER / KUNSTHISTORISCHER ESSAY (von @PashminArt)

"Der ungeschützte männliche Körper"

Männlichkeit, Verletzlichkeit und queere Lesbarkeit im Werk von Matthias Ebinger

Dr. Davood Khazaie

(Literatur- und Kunstkritiker sowie internationaler Kurator)

Der männliche Körper gehört zu den historisch am stärksten regulierten Bildformen der westlichen Kunst. Vom griechischen Athleten und Renaissancehelden über den christlichen Märtyrer und den akademischen Akt bis zur expressionistischen Figur wurde Männlichkeit immer wieder über Sichtbarkeit organisiert: Der Körper soll Stärke, Identität, Disziplin oder Leiden in lesbarer Form ausweisen. Matthias Ebingers Zyklus „Männer ungeschützt“ arbeitet gegen diese Gewissheit. Seine Bedeutung liegt nicht allein darin, Männer als verletzlich zu zeigen, sondern darin, Männlichkeit selbst schwer stabilisierbar zu machen. Ebingers reduzierte Palette aus Rot, Creme, Hellblau und tiefem Blau-Schwarz unterdrückt naturalistische Modellierung und verwandelt das Fleisch in klar voneinander abgesetzte Farbfelder. Der männliche Körper bleibt präsent, ohne sich einer einzigen Deutung zu ergeben.

Diese Ungewissheit verdichtet sich besonders in Ebingers Nahansichten des Gesichts. In „Spring“ füllt der Kopf das Bildfeld nahezu vollständig. Die Augen sind geschlossen, das Gesicht ist nach hinten geneigt; Rot und Blau durchziehen die Haut weniger als beschreibende Schatten denn als Register körperlicher Empfindung. Die Haltung kann Lust, Erschöpfung, Hingabe oder innere Versunkenheit andeuten, doch das Bild verweigert eine eindeutige Lesbarkeit des Ausdrucks. „Halte mich“ verschiebt das Problem vom Ausdruck auf die Berührung. Die Hände, die Gesicht und Stirn kreuzen, gehören einer anderen Figur; Berührung erscheint daher als Beziehung und nicht als Selbstschutz. Ihre Präsenz kann Zärtlichkeit, Schutz, Festhalten oder Abhängigkeit bedeuten. Das Gesicht - in der Porträtgeschichte traditionell als privilegierter Ort der Identität verstanden - wird hier gerade durch einen anderen Körper erfahrbar, der es zugleich teilweise verdeckt. Donald E. Halls Verständnis sexueller Identität als historisch hervorgebracht und notwendig partiell ist hierfür aufschlussreich: Körperliche Zeichen offenbaren keine stabile innere Wahrheit, weil die Bedeutungen von Sexualität, Begehren und Geschlecht gesellschaftlich organisiert sind (Hall, 2003). Ebingers Gesichter sind exponiert und widersetzen sich dennoch der Forderung, dass Sichtbarkeit Gewissheit erzeugen müsse.

Der einzelne männliche Körper entfaltet diese Instabilität über Pose und kunsthistorisches Gedächtnis. „Der Schrei“ zeigt einen hellen nackten Torso, die Arme um den Kopf erhoben und den Mund in einer extremen Geste geöffnet. Der Titel erinnert an Munch, doch Ebinger verlagert den Affekt von der Landschaft in den Körper: Der breite Torso wirkt zugleich monumental und schutzlos, als könne Größe keine emotionale Kontrolle mehr garantieren. „Mein Caravaggio“ wendet sich einem älteren visuellen Archiv zu, in dem sakrales Drama, sinnliches Fleisch und theatrale Entblößung nebeneinander bestehen. „Innocensos Angel“ führt diesen Dialog auf andere Weise fort. Der entblößte Oberkörper, der erhobene Arm und die Aufwärtsbewegung evozieren die Rhetorik der Erhebung, wie sie mit Engels- und Andachtsbildern verbunden ist; zugleich lässt das Fehlen konventioneller Flügel oder einer gesicherten sakralen Erzählung die Figur zwischen Transzendenz, Inszenierung und körperlicher Zurschaustellung schweben. Der Körper ist weder einfach heilig noch einfach erotisch. Renate Lorenz’ Konzept des „transtemporal drag“ ist hier produktiv: Historische Bildcodes können über Zeiten hinweg reaktiviert werden, sodass sie überlieferte Bedeutungen unterbrechen, statt sie bloß zu wiederholen (Lorenz, 2012). Ebingers Bilder greifen ältere Formeln von Martyrium, Ekstase, Schönheit und Stärke auf, ohne sie erneut zu stabilisieren. Riki Wilchins’ Kritik am kulturell hergestellten „maskulinen Mann“ schärft diesen Punkt: Stärke, Schweigen und Selbstkontrolle erscheinen als Positionen, die unter Spannung geraten, verschoben oder aufgegeben werden können (Wilchins, 2004).

Ein anderes Problem entsteht, wenn zwei männliche Körper dasselbe Bildfeld besetzen. „Wütend“ bringt zwei Figuren in eine spannungsgeladene Nähe, in der Konfrontation ebenso durch körperliche Nähe wie durch Aggression bestimmt wird. Der Titel lenkt die Wahrnehmung auf Zorn, doch Antagonismus, Anziehung und Abhängigkeit können dieselbe Sprache körperlicher Nähe teilen. „Twins“ radikalisiert diese relationale Struktur. Gesichter, Hände und Körper überlagern sich so dicht, dass Individualität nicht mehr als vollständig in sich abgeschlossen gedacht werden kann. Queer Theory wird hier nicht deshalb produktiv, weil den Figuren eine Sexualität zugeschrieben werden müsste, sondern weil ihre Beziehung sich einer verpflichtenden Benennung entzieht. Lorenz argumentiert, dass queere künstlerische Praxis einen „Aufschub und eine Lücke“ erzeugen kann, in der verkörperte Kategorien vorübergehend ihre Selbstverständlichkeit verlieren und für Experimente verfügbar werden (Lorenz, 2012). Ebingers Dyaden besetzen genau eine solche Lücke. Sie zeigen, wie schnell Betrachter männliche Nähe als Brüderlichkeit, Konflikt, Zärtlichkeit, Abhängigkeit oder Erotik klassifizieren. Alan Sinfields Cultural Materialism erinnert daran, dass dieser Impuls historisch bedingt ist: Körper und Begehren werden innerhalb von Strukturen des Geschlechts und der Macht lesbar, nicht außerhalb von ihnen (Sinfield, 2005).

Die hier vorgestellten Arbeiten sind zugleich im größeren Zusammenhang von Matthias Ebingers Gesamtwerk zu betrachten. Über nahezu zwei Jahrzehnte hat er ein bewusst vielgestaltiges malerisches Feld entwickelt, in dem die menschliche Figur – darunter Akt und Porträt – ebenso ihren Platz hat wie serielle Bildfolgen und stärker symbolisch oder emotional verdichtete Kompositionen. Dabei variiert Ebinger seine Ausdrucksmittel und arbeitet mit Medien von Öl und Acryl über Tusche und Pastell bis hin zu metallischen Akzenten; den menschlichen Körper begreift er dabei immer wieder als einen Ort, an dem äußere Erscheinung und innerer Zustand aufeinandertreffen. Vor diesem Hintergrund erscheint der Zyklus „Männer ungeschützt“ weniger als isolierter thematischer Wechsel denn als bewusste Zuspitzung einer langjährigen Auseinandersetzung mit Körperlichkeit, Identität, Intimität und Verletzlichkeit. Gerade daraus beziehen die hier besprochenen Arbeiten ihre zusätzliche Bedeutung: In ihnen richtet sich diese Auseinandersetzung ausdrücklich auf die fragile, widersprüchliche und zugleich intime Erfahrung von Männlichkeit.

„Männer ungeschützt“ entfaltet seine größte Stärke, wenn „ungeschützt“ in diesem erweiterten Sinn verstanden wird. Ebinger ersetzt nicht einfach den mächtigen Mann durch einen fragilen. Seine Gesichter widersetzen sich psychologischer Eindeutigkeit; seine Einzelfiguren öffnen überlieferte Bilder männlicher, sakraler und expressiver Körper erneut; seine Figurenpaare machen Identität relational statt in sich abgeschlossen. Verletzlichkeit wird nicht als neue Norm von Männlichkeit angeboten, sondern als Bedingung, unter der Männlichkeit als instabil, historisch und offen für andere Formen der Verkörperung untersucht werden kann. Der Körper ist ungeschützt, weil er Affekt, Begehren, Interpretation und der Gegenwart anderer ausgesetzt ist - und nichts davon lässt sich auf eine einzige Bedeutung reduzieren.

AUSGEWÄHLTE LITERATUR

Ebinger, Matthias. „Männer ungeschützt“. Künstlerstatement und Serienpräsentation, September 2026.

Hall, Donald E. Queer Theories. Basingstoke: Palgrave Macmillan, 2003.

Lorenz, Renate. Queer Art: A Freak Theory. Bielefeld: transcript Verlag, 2012.

Sinfield, Alan. Cultural Politics - Queer Reading. 2. Aufl. London: Routledge, 2005.

Wilchins, Riki. Queer Theory, Gender Theory: An Instant Primer. Los Angeles: Alyson Books, 2004; Magnus Books, Ausgabe 2014.

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